lunes, 29 de octubre de 2012

La apropiación compositiva


Comprender los significados de la composición se hace más fácil si observamos el traslado de una composición de un soporte a otro, de una obra a otra. Sería interesante evaluar algunos casos de composición de imagen cinematográfica, que se apropia de composiciones plásticas existentes y determinar la razón de la transferencia, desde el punto de vista semántico.
·    En la película “La joven de la perla”, de Peter Webber (2003), se trabaja sobre composiciones de Vermeer: 


·       Luchino Visconti eligió el cuadro de  Francesco Hayez , El beso (1859) para transmitir la intensidad de la pasión de los amantes protagonistas de la película Senso.




   En El Gatopardo, Visconti  incluye un cuadro , “Le fils puni” (Jean-Baptiste Greuze, 1778).



·       En “La marquesa de O”( 1976) , Eric Rohmer incluye varias composiciones pictóricas, como “La pesadilla, de Johann Heinrich Fussli .


       Pier Paolo Pasolini usaba la pintura del Renacimiento para sus películas.


·       En el Moulin Rouge, 1890 , se emplea composiciones de los impresionistas.




Cada caso trae una explicación del uso de la composición plástica y con ello la valoración de los diferentes aspectos de la composición: la interacción de los elementos, la ubicación en el espacio, la estética, etc.

Mihaela Radulescu






16 comentarios:

  1. Es impresionante como diversas películas se basan en obras pictóricas. Las composiciones de estas obras como El beso de Hayez, refuerzan la escena de pasión entre esos dos personajes.
    Yo por mi parte, me puse a investigar sobre otros artistas y me di con la sorpresa de que Walt Disney también tuvo una inspiración pictórica de las obras de Florencio Molina. Este argentino presenta en sus obras un toque humorístico como las típicas viñetas gauchescas. Lo que llama a Disney sobre su obra es el toque caricaturesco que presentaban sus obras y esto era lo que quería implementar en sus películas con temas de América del Sur. Molina se destacaba por retratar de manera humorística, pero con absoluta fidelidad, la vida del gaucho de la Pampa Argentina.
    Aunque Disney buscaba la sencillez en el dibujo, las composiciones en sus obras, el movimiento de los objetos y la paleta de colores de acuerdo al tema eran de vital importancia en la realización de su obra.

    Obra de Florencio Molina
    http://www.tradiciongaucha.com.ar/Argentina/Cuadro-MC.jpg

    El gaucho Goofy
    http://i2.listal.com/image/1604344/600full-el-gaucho-goofy-screenshot.jpg
    http://www.youtube.com/watch?v=ZvhiQD0kN7Q

    Stefhannia Victorio
    20095757

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  2. El director Jean-Luc Godard siempre ha reflexionado sobre la relación e interacción entre el cine y el arte y la historia del cine frente a la historia del arte. En su película "Pasión" (1982) Godard explora la naturaleza del amor, el trabajo y la creación de películas, la película trata sobre un director polaco que esta creando una película y se encuentra, sin inspiración y sin fondos, cuestionando por qué debe haber una historia en el cine. Esta falta de inspiración e historia se ven confrontadas con las expectativas para la película que se llamaría Pasión.
    A lo largo de la historia Godard toma distintas composiciones de obras de arte de distintos artistas (principalmente Goya, Delacroix, Rembrandt e Ingres). Godard consideraba que las obras de arte eran un testimonio sobre lo que se podía aprender de la época, por eso podemos decir que él se apropia de las composiciones de obras famosas como referentes culturales, con la carga psicológica que estas implican.

    Godard y Goya:
    Fusilamiento del 3 de mayo -
    http://www.biografiasyvidas.com/monografia/goya/fotos/22g.jpg
    http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/0%20Imagenescine/pint180.gif
    La maja desnuda -
    http://www.portraitpaintingaustralia.com/wp-content/uploads/2012/08/la-maja-desnuda.jpg
    http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/0%20Imagenescine/pint184.gif

    Godard e Ingres:
    the small bather -
    http://uploads7.wikipaintings.org/images/jean-auguste-dominique-ingres/the-small-bather.jpg
    http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/0%20Imagenescine/pint189.gif

    Godard y Delacroix:
    Entrada de los cruzados en Constantinopla -
    http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/0%20Imagenescine/pin092.gif
    http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/0%20Imagenescine/pint182.gif

    Godard y Rembrandt:
    La ronda nocturna -
    http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/The_Nightwatch_by_Rembrandt.jpg/310px-The_Nightwatch_by_Rembrandt.jpg
    http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/0%20Imagenescine/pint179.gif

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  3. Es interesante ver la adaptación de distintas obras plásticas en el séptimo arte y ver como este recurso ayuda a las distintas películas a tener una mayor relevancia estética y compositiva. Durante todo el siglo XX se usó este recurso tanto para comprender las obras representadas como para reproducir ambientes y colores como para contar sus vidas, recrear sus argumentos y revivir sus formas de expresión.
    Por ejemplo en el caso de la película “La joven de la perla”, lo que más destaca es la sensacional ambientación y fotografía, lo cual recrea en el filme un excepcional uso de luz, color y composición; todo lo anterior por el mismo hecho de basarse en la obra del artista Johannes Vermeer.
    Varios directores y fotógrafos cinematográficos fueron pintores, como Fritz Lang y Houston. Otros artistas también han puesto su arte al servicio de los decorados, como en el caso de Dalí, que intervenía en cuanto a vestuario, los títulos de crédito, la dirección artística o los diseños arquitectónicos.
    A continuación tres ejemplos del siglo XX:
    “Recuerda” (1945) dirigida por Alfred Hitchcock. En esta película Dalí intervino en algunos aspectos de la película, como el escenario surrealista.
    http://www.youtube.com/watch?v=Hsuj5N3cDJY&feature=related
    “El loco del pelo rojo” (1956) dirigida por Vincente Minnelli. Esta se trata de la vida del pintor Vincent Van Gogh. Aquí se puede ver plasmados los colores del mar, el campo y el cielo de que caracteriza la estética de Van Gogh. En esta película se encargaron de la perfecta reproducción de las obras del famoso pintor.
    http://www.youtube.com/watch?v=2Z3xHMNHQUs
    “Mamma Roma” (1962) dirigida por Pier Paolo Pasolini. Aquí se ve la utilización de la obra “Cristo muerto” de Andrea Mantegna para una de las escenas. Pasolini en muchas ocasiones desmiente que Mantegna tenga algo que ver con la realización de la escena.
    http://www.youtube.com/watch?v=27kcpWvNvbY
    http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/26/Andrea_Mantegna_034.jpg
    FIORELLA CAJAS
    20102183

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  4. Según mi punto de vista el apropiarse de las composiciones se utiliza porque quieren causar una reacción similar ala de la obra original y es por eso que se utilizan estas composición para asegurar que lo que quieren comunicar se entienda mediante la intertextualidad. También puede utilizarse por el hecho de querer dar un homenaje a una obra que consideran importante o por querer satirizar el contenido de la obra original en relación a esta nueva imagen cinematográfica.

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  5. En el proceso de la creación de una nueva obra un paso necesario es el de utilizar referentes. En este caso, el utilizar de referencia imágenes ya conocidas creo que crea una relación directa con nuestro imaginario colectivo. Un ejemplo es las muchas veces se ha utilizado la pose de los protagonistas de “Titanic” en la que están en la punta del bote y estiran los brazos en forma de cruz.
    Más allá de esto, está el lado compositivo que creo que el artista que toma de referencia una obra previa quiere lograr. Creo yo que el transmitir un mensaje a través de una composición no es tan sencillo por lo que utilizar una escena que ya existe aligera la preocupación de una nueva producción (fuera de la relación con el imaginario colectivo).
    Este video a continuación es un ejemplo de reinterpretaciones de obras. En esta los personajes cantan una canción pero interpretando a los respectivos personajes de cada cuadro (es decir, muestran como ellos entienden los sentimientos del protagonista del cuadro). En este caso no hay un mensaje que se quiera transmitir en cuanto al concepto (como se ha dado en los ejemplos previos de la página), sin embargo es interesante la visión e interpretación del cuadro y de como estos personajes toman vida desde el punto de vista de sus creadores.
    http://www.youtube.com/watch?v=erbd9cZpxps&feature=player_embedded

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  6. Podemos ver que los directores de cine utilizan composiciones plásticas para la elaboración de sus películas. Al apropiarse de composiciones ya existentes y mundialmente conocidas yo creo que lo que se quiere lograr es, de alguna forma, apoyarse en los sentimientos y significación que estas transmiten para que, de esta forma, la generación de sentido sea más fácil y eficaz y que así no tengan que intentar llegar al observador mediante sus propias formas pues las ya existentes ya se encuentran en el imaginario colectivo del observador. Además, al jugar con la intertextualidad y ser de fácil reconocimiento, capta nuestra atención más rápido y nos invita, de una forma más interesante, a querer interpretar la escena o la imagen. Reconocemos los elementos e interpretamos los nuevos. Por ejemplo, en la película “Los sueños” de Akira Kurosawa, el director, para la representación de uno de sus sueños, utiliza el cuadro “campo de trigo con cuervos” de Van Gogh, en el que el personaje se introduce y conoce al artista. El observador automáticamente relaciona el cuadro con el artista y su carácter caótico y melancólico lo cual, de por sí, ya ayuda a la generación de sentido y la transmisión de sentimientos.

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  7. El imaginario colectivo es un recurso fuertemente usado por los artistas visuales y en este caso específico, por estos cineastas antes mencionados. Lo que me parece interesante al respecto es cómo incluyendo fragmentos u obras de otros artistas, la obra que están construyendo estos cineastas cobra mayor sentido y además enriquece el lenguaje expresivo de esta última, al añadir piezas tan reconocidas por el público expectante.

    Lo que se genera cuando el fragmento de otra obra es incluido en una nueva, o el fragmento es re interpretado por esta nueva obra es intertextualidad. Esta puede ayudar a la lectura del mensaje de la nueva obra, aportando características conocidas por el espectador sujetas a estos fragmentos de piezas visuales conocidas. Una vez que el espectador reconoce estas características, entonces es mucho más fácil entender 'por dónde va' la nueva obra, además de estar atentos a cómo esta nueva obra difiere de la ya conocida y entonces esta nueva información le sirve como otro referente de tratamiento visual.

    Vi hace algún tiempo una película que puede dar ejemplo de intertextualidad ayudada de piezas visuales reconocidas como son las pinturas del maestro español Goya. La película se llama 'Los Fantasmas de Goya' y con ayuda de un puñado de sus célebres obras, nos lleva de la mano a través de la historia española durante los años de caída de la santa inquisición y de la conquista francesa sobre España. El tratamiento de las imágenes (obras de Goya) y el lenguaje visual (las luces, vestimenta, etc) son bastante similares entre sí, adoptando entonces la película, una estética bastante Goyesca y emanando esa fuerza expresiva de los trazos y expresiones de los grabados y pinturas de Goya, traducidos a iluminación, actuación y vestimenta en la película.

    http://www.youtube.com/watch?v=1oLmILXU9E4&feature=related

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  8. Es interesante el recurso de utilizar composiciones ya existentes pra recrear los encuadres en el cine, Este uso de intertextualidad se puede dar porque en el imaginario colectivo del espectador se tiene estas imágenes de referencia con lo que probablemente se quiera conseguir el mismo sentimiento que expresa el cuadro en la película, o la intención que la obra tiene. Como en el caso la Marquesa de O”( 1976), donde se recurre al uso de una composición similar a la de la obra "La pesadilla" que connota desesperación y miedo, tanto por la composición expandida, y por los colores oscuros que crean la atmósfera oscura, es lo mismo que se quiere expresar en esta escena de la película, y que mejor hacerlo a través de imágenes que ya están en el imaginario del espectador, que hacen que tenga una lectura mucho mas rápida y sencilla.

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  9. Es increíble la cantidad de veces que se usaron composiciones pictóricas en composiciones cinematográficas. Este re usar de la composición logra una relación con el observador ya que al observar imágenes que remiten a otras muy conocidas estos también lo relacionan con la significación y sentimientos que provocan estas escenas. Además, me parce que el uso de la intertextualidad realza el hecho de vincular rápidamente la imagen con nuestro imaginario colectivo y darle una interpretación personal.
    No solo se usa este recurso en cine, sino también en cortometrajes hechos por distintas personas, como por ejemplo Sebastian Cosor, el cual realizo un cortometraje muy divertido usando la composición conocida de ¨El grito¨ de Munch.

    http://www.youtube.com/watch?v=rm-zrBFg8pk


    Camila Montenegro Hidalgo
    20095444

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  10. Lo más interesante respecto al empleo de la composición, como punto de partida hacia la referencia de la obra de un artista por otro artista, para establecer una composición que esté cargada de esa connotación inicial es un recurso muy común. Sobre todo en el cine que es un arte, y medio, que gusta mucho de apropiarse del lenguaje pictórico en la medida que le provee de movimiento o juega con esa idea, ya en el sentido del dinamismo real, y no del movimiento sugerido que era inicialmente más pictórico. Es importante trabajar este tema como otro ángulo de la referencia, de donde podemos pensar que justamente se realiza la misma para jugar con las connotaciones que la imagen inicial sugiere, o posee e incluso ha adquirido a lo largo de la historia de parte de las propias interpretaciones de esas obras. La sátira, el elemento lúdico, la reinterpretación también son fenómenos que aparecen en este tipo de referencia pero son un poco más difíciles de ubicar, tal vez más sutiles o muchas más veces, muy recargados de información a pie de página.
    Entonces pensando en el tema de la composición, nos encontramos más con una referencia hacia el elemento mismo, el cuadro propiamente dicho tomando como punto central el “gesto” del mismo, en sus personajes, sobre todo en sus actitudes y en las relaciones de importancia entre unos u otros, por los movimientos de los mismo, ya en tercer lugar. La colocación de elementos que permiten ubicar la referencia, o distinguir la intención de la connotación con la que se aborda la imagen referenciada es otro tema también considerable, y es en gran medida el interés del artículo previo. De lo anterior también es interesante plantearse si la referencia es hacia la composición al interior de las imágenes referenciadas o hacia la carga connotativa de la pintura (al menos la que le hemos conferido con la historia).
    La pregunta latente va en el sentido de si es un tema de sintaxis o un tema semántico, aun cuando no podemos y en muchos casos no debemos separar estos dos aspectos al interior de una imagen, el interés de la referencia tiene más cercanía con el aspecto semántico. Lo que se denomina apropiación compositiva gira más en torno al efecto secundario de la toma de referencia, salvo sea expresamente un cine abocado al tema biográfico o discursivo del arte de cierto momento y emplee la composición pictórica de un autor y la coloque como punto de partida real para que él mismo construya su obra visual.(Sigue...)

    Cristina Frisancho
    20071804

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  11. (...continuacion)
    Es interesante que la referencia en ambos sentidos, sintáctico y temático, juega justamente con esa doble locución entre el límite de la composición para brindar el sentido de la escena con la referencia temática para el mismo sentido. En muchos casos aun cuando se desconoce algunas referencias, cierto tipo de composición genera también ciertas lecturas que ya el espectador de cine, y de artes en general, tiende a interpretar de una manera, por la repetición constante de estas referencias, tal vez hasta ciertos arquetipos sintácticos en el cine que definen ciertas épocas de producción, y muchos de estos arquetipos también provienen o tiene su origen en ordenamientos pictóricos y fotográficos.
    Respecto al tema de la apropiación sintáctica, ya como conclusión, veremos que siempre que existe una toma referencial de algo, existirán enfoques desde los cuales hacer esa referencia, tratándose de temas, de ordenamiento sintáctico, de cromaticidad, de connotaciones simbólicas, etc. Pero es desde el punto de vista de esos aspectos de donde debemos tomar en cuenta la referencia, aun cuando la misma posea varios elementos y niveles de sentido, es sobre la base de un lineamiento principal, como en este caso sería la sintaxis, que debemos tomar en cuenta ciertos elementos.
    Ya como anécdota, un ejemplo de estas referencias podría ser El Decamerón (1971), filme de Pasollini, donde la referencia es a varios cuadros de los grandes de la pintura renacentista en los momentos “más sublimes” del filme. Donde el ordenamiento de los personajes corresponde al propuesto por estos cuadros representativos de la época y en donde el director aporta varios elementos en movimiento siguiendo las ideas planteadas para los personajes al interior de las composiciones de los cuadros originales, pero también aporta encuadres que permiten contar la individualidad de algunos personajes al interior de estos cuadros.
    También es interesante el empleo de personas con cierta fisionomía propia de la representada en la pintura renacentista, lo que nos acerca mucho a la época, en lugar de actores caracterizados. Se trataba de campesinos reales y de personas que no tenían formación actoral, pero si correspondían a la fisionomía de la época: desdentados, raquíticos, gastados con parecido físico a los personajes de los cuadros del renacimiento. En esta referencia se estaban tomando dos factores para reconstruir el imaginario visual de la época, uno es el del ordenamiento de información, y el otro es el gesto fisionómico de los personajes para trabajar con esta referencia.

    Cristina Frisancho Pinto
    20071804

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  12. La apropiación de composiciones plásticas ya existentes, siendo retomadas en nuevas propuestas compositivas es un táctica bastante eficiente para reforzar la idea que se desea al transmitir, puesto que al apoyarse de este referente ya cargado con su propia interpretación y grabado en el imaginario colectivo apoyara con su propio peso en la lectura de la composición.
    Así mismo esta transferencia puede no ser usada únicamente para acentuar una idea o emoción, como en el caso del primer ejemplo donde se apoyan en el cuadro de Francesco Hayez para transmitir la intensidad de los amantes, si no que puede tomarse como una referencia contextual como el del segundo ejemplo, donde se incluye el cuadro “Le fils puni”, se apropian de esta composición para representarla como un elemento con propio significado, mas no es la composición base de la escena y además que interactúa con los otros elementos que componen la escena,

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  13. Este tema de utilizar composiciones de obras pictóricas como referentes en otras producciones ya lo había visto en una película , Christ marchant sur flots (Cristo andando sobre las aguas) es una obra de George Mèlies , en donde se pueden encontrar escenas de la pasión de Cristo, en ellas, se pueden apresiar un deceo de imitar las composciones de las clásicas pinturas de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y otras grandes pintores del Renacimiento Italiano. A mi parecer, se esta usando la imitación de la composición para que con la ayuda de la intertextualidad, el publico objetivo pueda reconocer y sentir lo mismo que siente al ver la obra original.

    Elizabeth Tocto Bonifacio
    20091842

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  14. El tomar como referente una composición plástica ya sea de su composición, color, luz, forma, nos pone en una posición interesante, ya que esta, como pieza bidimensional y estática sugiere una serie de movimientos, atmosferas, sensaciones, etc, contenidos, en potencia. El apropiarnos de esta, nos va a permitir jugar precisamente con este sentido de dinamismo, que si bien esta sugerido, no suceda, y por lo tanto nosotros podemos hacerlo suceder. Sin embargo, podemos incluso darle la vuelta a este, y hacer lo contrario o algo que no se esperaba.
    Es importante recalcar, que la pintura nos ofrece todo un abanico de recursos que podemos tomar para reinterpretar aparte de la composición, tales como la sensación de atmosfera , luz, color, vibraciones.

    Algunos audiovisuales que me llamaron la atención por haber aprovechado bien este recurso de la pintura. En primer lugar, el filme Dreams de Kurosawa, que no solo toma la pintura como referente sino que nos introduce en esta creando todo un mundo lleno de personajes y de color a partir de las obras de Van Gogh. Además, está la película Barry Lyndon, de Kubrick, que maneja la luz de una manera muy perfeccionista iluminada con velas para dar un toque propio de las pinturas de la época (amarillento) además de encuadres que ayudan a dar la idea del siglo. Por último, y un poco mas rompiendo con los esquemas, el video de Hold Your Horses que juega a reinterpretar a esos personajes protagonistas de obras reconocidísimas haciendo a los miembros de la banda desempeñar el papel de estos en sus cuadros respectivos.

    Melissa Siles 20100422

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  15. Sin duda recrear una composición pictórica en una escena cinematográfica es un recurso muy acertado y que no solo ayuda a un nivel compositivo, sino que acarrea consigo todo el significado implícito que posee la obra original. Como bien ya se dijo, ayuda a acentuar emociones, emociones o diálogos dentro del contexto del filme, pero a su vez, le agrega un simbolismo o mensaje adicional al público conocer que identifica el referente de inmediato. Usualmente, valiéndose de diversos recurso visuales, se le coloca un especial énfasis en aquel instante donde se recrea el referente pictórico, lo cual ayuda que todo el valor connotativo presente en la obra, aflore y se una al valor connotativo propio de la cinta.
    Un ejemplo particular y bastante claro es en “Destino”, una cinta de Disney donde se reúne una gran cantidad de obra de Salvador Dalí. En este se recrean obras del artista y se desarrolla una trama a partir de los personajes que componen los cuadros del reconocido pintor. http://www.youtube.com/watch?v=jx8h7j0aw2g

    Fiorella Padilla 20095653

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  16. Resulta bastante interesante ver cómo el cine toma referentes de todo tipo, incluso de obras pictóricas para la composición de una escena. Lo que más me llama la atención es que la toma y el cuadro no son idénticos, algo se agrega o se quita de la escena. Si bien el cuadro es la referencia, al incluir otros elementos en la escena cinematográfica y poder compararlos con la imagen de referencia vemos como el significado ya ha cambiado. Ambos comparten una sensación y movimiento parecidos, pero los sutiles cambios nos dan nuevas lecturas.

    Verónica Azaña Falcón
    20095809

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