lunes, 20 de abril de 2015

La composición en la situación de lectura


La composición de la imagen en movimiento es doble: la composición del encuadre y la composición secuencial. Además, hay una línea particular de composición en la interacción imagen – sonido. Cada una de estas tres líneas de acción es considerada como parte del conjunto global de la composición, ingresando en los niveles de construcción de la misma a través de la progresión ( ordenamiento y convergencia temática ), la coherencia ( ordenamiento y convergencia de contenidos) y la cohesión ( ordenamiento y convergencia formal).
En el arte del video esta estructura básica es superada por el ingreso del video en otros conjuntos, como es el caso del instalacionismo. La particularidad de este enfoque es que ofrece un nuevo tipo de composición de tipo collage / ensamblaje , interviniendo en el espacio con una expansión compositiva que aporta sentidos en interacción con el espacio contenedor.
El pionero de este  enfoque ha sido Nam June Paik, artista coreano considerado el padre del video arte, participante en Fluxus. Para  explorar su obra:









 
La composición espacial se articula con la composición del encuadre, la composición secuencial y la composición con el sonido para crear la progresión discursiva del video.
En este conjunto, la composición del encuadre puede ser a su vez segmentada en partes o capas, o puede ser el punto de convergencia de un movimiento compositivo que viene desde los bordes.


 
Nam June Paik, Global Groove, 1973, color, sound, 28 min. © Collection Mnam/Cci, Centre Pompidou, Paris.
Es relevante en su proceso artístico el lugar del error, que en épocas posteriores creó el marco para el video del error.
"Cuando me dispongo a hacer una obra tengo, por supuesto, alguna idea preconcebida, pero luego cometo un error tras otro y eso se convierte a mi favor. Esta ha sido la historia de toda mi vida."Nam June Paik
En cuanto a la secuencialidad, en esta interviene el ritmo, la duración y los efectos de enlace, para obtener resultados con diferentes cargas de significación. Observemos una secuencialidad de “Rose Hobart “ de Joseph Cornell ( 1937), un video found footage que funciona como una condensación de una película que la actriz Rose Hobart , de la cual Cornell era fan, hizo en  1931: “East of Borneo”.
Rose Hobart (1936) by Joseph Cornell
Cornell elimina la narración de la película , por lo cual podremos hablar en primer lugar de una de-composición, que tiene como consecuencias la eliminación del peso de la historia, para rescatar a través del personaje a la actriz, cuya esencia trata de capturar en su found footage.
La búsqueda de la esencia a través de fragmentos apropiados y reciclados era para Cornell  algo recurrente, tomando en cuenta sus  cajas.

 
En la composición del found footage, llama la atención la elección de  los primeros planos
 
Otros trabajos en videos de este tipo destacan el lugar de la intervención del autor del found footage: la imagen o el audio.
-        Her Fragrant Emulsion de Lewis Klahr, que se centra en la actriz Mismy Farmer, en que la intervención se hace en la imagen/ritmo/sonido
Her Fragrant Emulsion(1987)[Lewis Klahr]
-        Remembrance de Jerry Tartaglia se ve como un homenaje a Bette Davis, en que la intervención se hace con el comentario:
Remembrance (1990)
En otro nivel de intervención se sitúa en movimiento en profundidad en un encuadre que se mantiene como marco para los cambios contenidos en el:
 
Sam Jury, Another Thing Coming 004, 2010.
El movimiento puede ser discreto, en el trabajo de Sam Jury, o enfático, como en el trabajo de Negar Behbahani.
Sam Jury, 'Another Thing Coming 003', 2010 (excerpt)
https://vimeo.com/20329437
 
Negar Behbahani, Agony; Never Ending, 2009.
Agony; Never Ending (2009)
Explorando más en el campo del movimiento discreto, un gran ejemplo, en el cual converge el video arte y la instalación , lo trae el artista contemporáneo coreano, Lee Yong-Baek.
Observemos su trabajo en la Bienal de Venecia del 2011: la obra, la entrevista, la instalación en la Bienal:
Angel Soldier - Yongbaek Lee
Angel Soldier by Lee Yong Baek
https://www.youtube.com/watch?v=GyQGwkxllXo
Lee Yong-baek at Korean Pavilion at Venice Art Biennale 2011
https://www.youtube.com/watch?v=bbMjd5r1WYU
 
Lee Yong-Baek Angel Soldier, 2005, videostill
Volviendo al found footage ( consultar Los Angeles Found Footage Film Festival), la composición pasa por lo general por la deconstrucción de materiales fuentes y la construcción personal, con una significación propia. Umberto Eco, en su libro “Casablanca: Cult Movies and Intertextual Collage”, indica que este es de hecho el proceso de la recepción cinematográfica. Vemos las películas, las descomponemos y las re-interpretamos a partir de los fragmentos retenidos.
El ready-made dadaísta y sus consecuencias han tenido también influencia. También la práctica del documental, como se ve en el found footage de Ken Jacobs,  Perfect Film (1986) sobre la muerte de Malcom X:
Ken Jacobs - Perfect Film (1986)
https://www.youtube.com/watch?v=nQ_qJoqvzA4
 
Perfect Film (Ken Jacobs, 1986)
Los recursos de las modificaciones operadas en las fuentes son varios. En 1993, Douglas Gordon modificó Psycho de Alfred Hitchcock, para una  duración de 24 horas, alterando  el ritmo de las imágenes en movimiento ( el nivel del montaje ) , mientras que el conjunto de las imágenes fue enfocado como parte de una estrategia de no-intervencion :
DGORDON_24hoursPsycho.avi

Bruce Conner optó por resignificar cada fragmento al introducirlo en otro sistema de significación:
A Movie - Bruce Conner
https://www.youtube.com/watch?v=4FMjBtvsx2o
Se puede trabajar el sonido, como lo hace Hollis Frampton:
Critical Mass (1/3)

Critical Mass (2/3)

Critical Mass (3/3)
https://www.youtube.com/watch?v=LY7mSHCkvhQ
O Martin Arnold en Passage a l’acte:
Passage à l'acte by Martin Arnold (extrait)
https://www.youtube.com/watch?v=0jJtSv-o-m4
Se puede mezclar el sonido original con otros sonidos; puede intervenir una voz en off ; se puede ilustrar ideas personales con imágenes de otros.
Craig Baldwin:
Cécile Fontaine:
Filmers Almanac - Cecile Fontaine - January 7

Holywoods - Cecile Fontaine

¿ Qué otros recursos compositivos pueden emplearse en el found footage?

lunes, 13 de abril de 2015

La construcción de la lectura en el found footage vintage


Uno de los recursos que se desarrolla actualmente para la construcción  de la imagen móvil es el found footage ( ver http://cinereciclado.tumblr.com/). Las estructuras instaladas en la imagen móvil secuencializada son extraídas de fuentes de imagen fija y móvil y  llegan al público con los contenidos que desarrollaron en esta condición inicial, enfocados en una nueva perspectiva, impuesta por la narrativa del collage meta. Las imágenes fueron por tanto descontextualizadas y recontextualizadas conforme a una nueva narrativa. Las imágenes fuente son para el video meta signos culturales que ingresan en el proyecto de apropiación para actualizar sus referentes en este nuevo contexto de lectura sintácticamente preparado para desarrollar nuevos sentidos.
Las funciones y el funcionamiento comunicativo de la imagen del found footage plantean siempre este dialogismo entre el signo cultural fuente y el nuevo marco de significación ofrecido por la selección y composición de imágenes en la nueva narrativa. El diálogo y el cambio del punto de vista insertan al nuevo producto audiovisual es el cruce de varias redes culturales. Una perspectiva en este panorama es acudir al pasado, a las películas antiguas para usar sus imágenes en nuevas construcciones.  Es un enfoque vintage , donde la apropiación tiene que vencer distancias culturales.  
Es fundamental entonces enfocar el found footage  en relación al fenómeno de la apropiación como modalidad de asentar el dialogo en la memoria colectiva. Con este fin, tenemos que remitirnos a sus primeros experimentos artísticos que se dieron en el auge de la vanguardia con el ready made y el détournement situacionista.



Ready made de Marcel Duchamp
Nuevos ready made:




Ensamblar objetos nuevos a partir de objetos recolectados corresponde por un lado a una voluntad de apropiación y por el otro a una voluntad de creación de unidades significantes a partir de la diversidad. El rol de los referentes es esencial para el reconocimiento de los contenidos implícitos, y lo será también para la nueva construcción semántica.

En el cine, esta poética es desarrollada por la vanguardia rusa: Dziga Vertov y Sfir Schub. Por ejemplo , en “A Sixth Part of the World “(Russian: Шестая часть мира, Shestaya Chast Mira), película muda del  1926 dirigida por  Dziga Vertov y realizada en found footage, se editan  secuencias de películas documentales.
A Sixth Part Of The World de Dziga Vertov
En 2006, el mismo Dziga Vertov con su película Enthusiasm (1931) es fuente para la realización found footage de un video para una banda sueca:

The Tiny - Everything Is Free (footage Dziga Vertov)

Es fuente también para el video del grupo Dresden Dolls, “ The Sheep Song”, para el cual se usan imágenes de “Man With a Movie Camera” (1929) :

Dresden Dolls - The Sheep Song (footage Vertov and Ruttmann)

¿ Como ingresan los referentes de las películas fuente en los nuevos audiovisuales?¿ Qué aportan?
El metraje encontrado  en el cine de propaganda parece ser una gran fuente para los found footage. Un ejemplo sería el uso de las secuencias extraídas de la película “ Octubre” de  Sergei Eisenstein (1927) para un video para el grupo post-rock Godspeed You! Black Emperor, para la canción “ East Hastings”.

Excerpt from Eisenstein's October - Ten Days That Shook the World (soundtrack Godspeed You! Black Emperor)

Para escuchar la opinion de un cineasta que hace found footage a partir de películas antiguas, se escogió a Bill Morrison, con una entrevista sobre la realización de sus películas de collage experimental “Decasia”  y “Light is Calling”. Bill Morrison (Chicago, 1965) usa archivos cinematográficos para construir sus películas: se trata de las viejas películas de celuloide, cuya decadencia es  natural y que funcionan como registros aleatorios del tiempo.
“Hay dos formas de contemplar la decadencia: puedes verla como parte de un ciclo, un proceso instrumental a la hora de reformar tu vida, y también puedes pensar en la decadencia como un final,  algo que necesita ser temido y evitado a toda costa. Ambas actitudes se abrazan en mis películas”
“El deterioro funciona de dos maneras, primero interactúa con la música de una manera interesante, casi como si fuera una animación, aportando otra superficie. Pero también interactúa con la imagen. Las imágenes son escogidas para mostrar la relación el hombre con su propia mortalidad. Por supuesto, cuando esa tomas se hicieron hace setenta años o cien años, estaban en una condición prístina y la gente que sale en ellas no tenía ni idea de que años después iban a tener este aspecto. Desde mi punto de vista, es un testamento o una analogía hacia nuestra experiencia humana, en la que nuestra voluntad o nuestra experiencia subjetiva cree de alguna manera que somos inmortales, y que seremos capaces de continuar con nuestras vidas, irónicamente, trágicamente, heroicamente, a pesar del hecho de que estamos decayendo. No quiero hacer un juicio sobre ello. Puede ser trágico, pero también puede ser hermoso.”
Su cortometraje de 2004 Light Is Calling usa imágenes de  The Bells, un melodrama de época rodado en 1926 por James Young, con carruajes, sombreros de época, uniformes con charreteras. Lo que se ve son figuras anónimas, cuyos gestos y movimientos han dejado de tener sentido. Morrison ralentiza la imagen: la velocidad de proyección es hasta tres veces más lenta que la de la película original. Así se centra la atención en el tiempo.  En la entrevista que sigue Morrison indica que pretende trabajar con capas de la realidad - capas arqueológicas de tiempo - en busca de la  naturaleza de las colisiones aleatorias. En Light is Calling las impresiones de deterioro son asociadas a   una composición de  Michael Gordon, para enfocar la decadencia como  parte de un ciclo y como final, algo temido , que se pretende evitara toda costa . La película busca, según Morisson, "sombras de momentos" para ser congelados en el tiempo.  

Light Is Calling




En cuanto a “Decaysia” (2002), se trata de  una colección de filmaciones antiguas  a base de nitrato, cuyas  diversas formas de sufrimiento se evalúan en interacción con la música compuesta por Michael Gordon. Es una película que trata sobre el estado de descomposición , de desintegración de nuestras imágenes La gente se presenta en diversas etapas de éxtasis. Los cuerpos se pudren pero los espíritus trascienden, es la intención comunicativa de la película de  Morrison .
On "Decasia"
https://www.youtube.com/watch?v=dNCI4bFoqOg
decasia promo 2
https://www.youtube.com/watch?v=iy5HD8Ddw1s
El Mesmerist (2003) lleva adelante el mismo tipo de found footage.


El Mesmerist
https://vk.com/video-41953059_170924925
La entrevista:
Bill Morrison: The film archaeologist


 Mihaela Radulescu/13.04.2015